En Llamas.

2013, Estados Unidos.
Francis Lawrence.

Dicen que las segundas partes nunca fueron buenas pero sin duda esta entrega de Los Juegos del Hambre se presenta más madura y fiel que la primera.

Parte del mérito lo tiene el nuevo enfoque que adopta. En Llamas se preocupa por explicar lo que sucede y cómo afectan los hechos a la sociedad y no solo se centra en unos juegos que la primera película justifican de forma pobre. Por ello la primera parte del film se presenta algo lento en acción pero necesario para adentrar al espectador en un mundo desconocido. Otro punto interesante es como dentro de todo este contexto de caos se muestra una realidad social que etiqueta, trata y maltrata a las personas por su patrimonio. Magníficos los minutos que se molestan en reflejar esta crítica aplicable a nuestra sociedad actual.

En la segunda parte y tal como se esperaba, la acción predomina de la mano de Katnnis que es mostrada como el gran héroe de la historia. La película entretiene y hace pasar un buen rato pese a que no se aleja del típico esquema de momentos de relajación antes del ataque, estructura que se repite varias veces sin dar pie a que sorprenda. 

Un gran fallo de la película y que suele pasar con las adaptaciones de la literatura es la sustitución de la causalidad por la casualidad. Por falta de tiempo o ganas, la película muestra varios hechos aparentemente "casuales" que hacen que la protagonista pueda salir ilesa de situaciones críticas. Ésto no hace más que alimentar la inverosimilitud que suele caracterizar al género. No obstante, en los libros se molestan en explicar cómo ha llegado la protagonista a descubrir la resolución del problema lo cual ayuda a que el lector lo crea ciegamente. 

Otro punto negativo que aleja el filme del libro es el amor. El amor es un tema que siempre trae problemas en estas adaptaciones de éxito. Parece que desde Crepúsculo los directores no pueden evitar magnificar el amor donde no deben. Tal y como pasó en la sexta película de la saga Harry Pooter, En Llamas refleja un sentimiento de Katniss hacia los dos chicos formando así un complicado triángulo amoroso sacado totalmente de la manga. En los libros Katniss tiene otras preocupaciones dejando claro que no siente nada por nadie, pero esto en pantalla no debe vender tanto.

Para finalizar, hay que destacar la gran actuación de Jennifer Lawrence que lleva todo el peso de la película y que crece y se supera cada vez más como actriz.

Alba Guillén.

Blue Jasmine

2013, Estados Unidos.
Woody Allen.

Fórmula Woody Allen: Persona neurótica, gente ridículamente pedante, glamour y enredos amorosos.

Jasmine, una mujer rica y glamourosa de la alta sociedad neoyorquina, se encuentra de repente sin dinero y sin casa. Decide entonces mudarse a San Francisco a vivir con su hermana Ginger, una mujer de clase trabajadora que vive con su novio en un pequeño apartamento. Jasmine, que atraviesa el momento más crítico de su vida, se dedica a tomar antidepresivos y a recordar su antigua vida en Manhattan.

Blue Jasmine juega con los saltos temporales: presente y pasado se combinan constantemente. El recurso del flashback del cual muchos abusan erróneamente está empleado de forma intrigante e ingeniosa para que conozcamos y comprendamos la historia a su debido tiempo. 

Alejándonos de las míticas comedias corales de Allen (con bastante personajes de peso), la fuerza de Blue Jasmine recae en tan solo una magnífica y trastornada protagonista. La brillante actuación de Cate Blanchett engloba comedia y drama en una perfecta combinación que tanto hace reír como conmocionar en un instante. 

Los diálogos son tan frescos e ingeniosos como solo sabe hacer Woody Allen que una vez más se ríe de ese círculo elitista del cual él pertenece. Cada personaje recibe el protagonismo adecuado sin descuidar a nadie. Todos son dotados de una peculiar personalidad, propio estilo y forma de expresarse. Cada uno de ellos representa a un sector de la sociedad que una vez más Allen pinta como hipócrita y convenida, llena de prejuicios y loca por mantener las apariencias. Algunos personajes pueden pecar a veces de parecer forzados o extremos pero finalmente resultan ser imperfectos y llenos de matices como lo son las personas.   

Finalmente, esta comedia dramática se desencadena sin dejar cavos sueltos y con un final digno de la misma película. Hacía tiempo que Woody Allen no ofrecía un final satisfactorio y por fin consigue sacar su picardía antes de los créditos finales.

Ligera e inteligente, recomiendo altamente esta película para todos los amantes de Woody Allen ya que escriba de lo que escriba, todas sus obras llevan grabadas su sello tan particular.

Alba Guillén.

Malavita

2013, Estados Unidos.

Luc Besson.

Una conocida familia mafiosa americana se traslada a la región francesa de Normandia bajo un programa de protección de testigos del FBI. Aunque hacen lo posible para adaptarse a su nuevo estilo de vida, enseguida se verán obligados a utilizar los viejos métodos para solucionar los problemas familiares. 

Tras visualizar esta película no hay duda que el director de grandes títulos como El Gran Azul y León el Profesional ha perdido muchas facultades. Malavita pretende fusionar comedia y drama sin conseguir dominar ninguno de los dos géneros: Su humor no hace reír y las pinceladas de "drama" parecen una parodia.

El elemento atractivo de la película y con el que juegan para venderla es el dúo estrella que la protagoniza: Robert De Niro y Michelle Pfeiffer. La química entre ellos es indiscutible y cada uno brilla dentro de lo posible pero son dos actores más que desaprovechados por un guión mediocre que arranca con fuerza y se queda ahí, sin nada que contar. Más bien parece un conjunto de gags y varias subtramas de relleno que no aportan nada y que acaban formando una pieza sin más objetivo que el entretenimiento. La guinda del pastel es un final que intenta impresionar y no hace más que reafirmar que la película cojea.  

Es una pena que una idea divertida y con gancho, un director con buen historial y un elenco apetitoso acabe siendo una anécdota fácil de olvidar. El problema reside en el argumento en sí que se conoce antes de verlo por su escasez de originalidad y las tramas sin un objetivo claro empapeladas con un tono confuso. Tal vez sea falta de trabajo o de concentración pero Malavita es una película que puedes ver sin pena ni gloria, sobre todo sin gloria. 

Alba Guillén.

Battlestar Galactica

Hoy, en clásicos televisivos que deberían estar en vuestra estantería tenemos la maravillosa serie Battlestar Galactica, la que está considerada como una de las mejores obras de ciencia ficción que se ha realizado en televisión. 

A diferencia de otras obras de este género, lo que hace grande a esta serie son las tramas no relacionadas con la ciencia ficción, que son la mayoría. La obra trata de una civilización que huye de su planeta natal (Caprica) después de que una raza creada por el hombre denominada Cylon se haya hecho con el poder y haya acabado con la mayor parte de la población. En dicha huida llevaba a cabo en nave espacial y capitaneada por la Galáctica, se encuentra al mando la Presidenta Laura Roslin (Mary McDonnell), que tiene el deber de llevar a sus congéneres a un planeta llamado Tierra, del cual desconocen su paradero e incluso muchos son reticentes en cuanto a su existencia.

A su vez tenemos al ejército capitaneado por el Almirante Adama (el gran Edward James Olmos), un tipo que no confía en la existencia del planeta Tierra y que desea un golpe de Estado para quitar del poder a la presidenta. Su hijo, el Capitán “Apolo” Lee (Jamie Bamber), hace las veces de conciencia de su padre y mantiene una relación con la Capitana Kara, conocida como “Starbuck” (la diosa Katee Sackhoff), la verdadera protagonista de la serie, la mejor piloto que la civilización tiene y que se dedica a machacar a los cylons con su nave de combate.

Pero no todos los cylons tienen aspecto de chatarra (son conocidos en la serie como tostadoras). Otros están camuflados con forma humana, incluso varios viajan en la nave Galáctica. Es el caso del personaje al que da vida Tricia Helfer, que convenció al doctor Gaius Baltar (James Callis) para desatar la revolución cylon.

Este viaje interespacial inspirado en la huída de los judíos por el desierto para buscar su nueva patria, no es el único motivo religioso que se da. Los humanos son politeístas y creen en lo que nosotros conocemos como antiguos dioses griegos, mientras que los cylons creen en la existencia de un único dios. Además de la religión, esta serie ahonda en multitud de temas, como los derechos humanos, el capitalismo, las conquistas, la búsqueda de recursos o el totalitarismo frente a la democracia, entre otros. Por ello con sus 73 episodios ha sido elegida como una de las mejores series de la historia. Y que los cylons nos ataquen si no es cierto.

Francisco M. Pérez.

El final alternativo de Breaking Bad.

Vince Gilligan no para de sorprendernos. Hace mes y medio que AMC emitió el capítulo final de la serie Breaking Bad y desde entonces han sido múltiples las apariciones de su creador para explicar visiones y aspectos sobre la misma. Y ésta misma semana, una genialidad en forma de video que será incluido en la versión para DVD y Bluray ha salido al aire con un final alternativo para la serie de moda. 

Han sido multitud de chistes los que se han creado en las redes sociales por la diferencia del personaje de Bryan Cranston con el de su anterior serie, Malcolm in the middle. Y por ello, Vince Gilligan ha optado por jugar la misma carta y ha reunido a la que fue coprotagonista de esta serie (Jane Kaczmarek) e incluirla en un video burla en el que todo Breaking Bad ha sido un sueño de Hal (personaje que interpretaba Cranston). Podéis disfrutar del video en el siguiente enlace:

Después de esta última jugada a lo Resines, las redes sociales se han hecho eco y ha sido lo más comentado durante el fin de semana, debido a la diferencia de personajes Hal-Heisenberg (Hal es más parecido a quien en un principio era Walter White). 

Personalmente, el final de Breaking Bad me pareció soberbio, cerrando todas las tramas (algo que se espera de una gran serie) y sorprendiendo con un final romántico. Pero no cabe duda de que el final alternativo es hilarante, con un Bryan Cranston volviendo a un personaje que llevaba sin vestir durante los últimos siete años y haciéndolo por la puerta grande. Chapó.

Francisco M. Pérez.

Capitán Phillips

2013, Estados Unidos.
Paul Greengrass. 

En aguas internacionales cercanas a Somalia, el buque carguero “Maersk Alabama”, al mando del capitán de la marina mercante estadounidense, Richard Phillips, es retenido por piratas somalíes, siendo el primer barco norteamericano secuestrado en doscientos años.

Capitán Phillips comienza con el típico recurso: mostrar unas escenas del capitán fuera del barco para que el espectador conozca sus miedos y relaciones personales para humanizar al personaje fuera de la etiqueta de capitán y así el espectador pueda cogerle cariño y sufrir por él en los acontecimientos futuros. Una carta bien jugada, al igual que un montaje que muestra al capitán quejándose desde su coche de lo difícil que lo tienen los jóvenes hoy en día y a continuación la verdadera crudeza de los jóvenes de Somalia que se ven obligados a robar para ganar dinero sin más opción. 

Una vez iniciado el atentado que da paso al desarrollo del film, empieza el sufrimiento. Pese a que creía lo contrario, Capitán Phillips logra recrear esa sensación de ahogo y peligro. Pasan de un estado de relajación absoluta a la alteración en tan solo unos minutos. La constante tensión y los nervios están a flor de piel para personajes y espectadores que se adentran en ese barco como un tripulante más. Buen desarrollo de los acontecimientos que no hacen perder la concentración ni un segundo. 

El encuentro y la relación entre el capitán y los piratas somalíes es magistral, un buen reflejo de la diferencia cultural e ideológica y unos perfiles psicológicos bien dibujados. Lo que me sorprende de esta película es que logra que, pese a ser evidente que los antagonistas son los piratas de Somalia, no pinta a nadie como el malo de verdad, sino que te muestra ateniéndose a la triste realidad que esa gente no tiene más porvenir en la vida. ¿Quién tiene la culpa, ellos mismos o las precarias circunstancias de sus vidas? Muy interesante este punto de vista. 

Personalmente creo que la película empeora hacia el desenlace. Capitán Phillips deja de mostrar un hecho de forma transparente para dar paso al sello americano. El subtexto de los últimos minutos es "La marina de los estados Unidos de América lo podemos hacer todo y vamos a salvar a nuestros ciudadanos, por la patria". Es cierto que es necesario hablar del papel de la marina en un caso así pero tal vez deberían ocultar lo orgullosos que están de sí mismos y su país. Agradezco las extraordinarias escenas en la que se sigue viendo el encierro del capitán y la degradación que sufre con las horas y rechazo totalmente las forzadas escenas patrióticas.

He de decir que hacía tiempo que Tom Hanks no se lucía en un papel y por fin ha podido demostrar por qué es un actor tan reconocido, se me había olvidado que era capaz de cambiar la expresión de la cara cuando actúa. 

Y ahora me voy a tomar la libertad de hacer un apunte patriótico personal: Ya que habéis cambiado "Alakrana" por "Alabama" y la nacionalidad española por la americana, no hace falta que tengáis al poca decencia de enseñar la bandera americana cada 2 minutos cuando os habéis apropiado de una realidad que no es vuestra en absoluto.

Alba Guillén.

Siberia

Cuando George Orwell escribió 1984 a mediados del siglo XX no se imaginaba que su obra iba a ser mundialmente conocida e inspiradora a lo largo y ancho de la tierra. De hecho, esta obra que nos habla de una sociedad futurista vigilada por un Gran Hermano, fue la que inspiró a la productora Endemol para crear en 1997 un programa de telerrealidad en el que unos concursantes conviven en una casa durante tres meses, completamente vigilados, y mediante pruebas y con votos del público van decidiendo quién va abandonando la casa, hasta que sólo queda uno para llevarse el premio final.

En ese momento nació el reality show tal y como lo conocemos hoy día. Realities que, a través de estos años, han ido mutando de cadena en cadena hasta abarrotar los canales televisivos de todo el mundo con programas tan dispares como, por ejemplo, Supervivientes o Pesadilla en la cocina. Y ahí es donde entra la serie Siberia. Esta serie de NBC mezcla la telerrealidad con el falso documental y el resultado es una amalgama de terribles secuencias para una serie, más bien flojita.

La serie nos muestra a dieciséis concursantes (sólo una actriz semiprofesional entre ellos) que son abandonados en Siberia para pasar el invierno, y entre los que resistan todo ese tiempo allí se repartirán los 500 mil dólares del premio final. Pero una vez allí, comienzan a pasar extraños sucesos alrededor del campamento en el que viven.

Esta mezcla de Lost (salvando las distancias) y reality show que intenta la NBC sacarse de la manga, no da sus frutos. Los “actores” son pésimos (a la altura de las grandes actuaciones de la película El ataque de los tomates asesinos), el miedo que quieren infundir es a base de sustos, golpes y gritos, los agujeros de la trama son casi tan exagerados como la duración de los capítulos y los puntos de giro son, a veces, inexistentes. 

Este programa de falsa realidad tiene trece capítulos en antena, emitidos en verano por la NBC (ese mismo canal que finiquitó Los Simpsons en su época dorada), y lo siento realmente por la gente que se haya enganchado (Daniella, deja de ver basura y ponte a estudiar), pero todo apunta a que no habrá segunda temporada. Dios nos libre.

Francisco M. Pérez.

Frontera

2013, España.

Manuel Pérez Cáceres.

Un grupo de teatro ensaya una versión de 12 Hombres sin Piedad cuando los interrumpe una alarma. Nos encontramos dentro de la prisión Quatre Camins y la señal indica el aislamiento de los módulos. El grupo, integrado por seis presos y ocho personas del exterior, permanecerá aislado por una epidemia de origen desconocido. 

A partir de aquí el espectador es observador directo de la degradación de cada uno de los personajes ante una situación de encierro, pánico e incertidumbre.  Se libera una intensa batalla por sobrevivir donde el individuos debe luchar por la convivencia de gente extraña que presentan una amenaza constante a su integridad en un magnífico símil de la obra que representaban justo antes del aislamiento, ¿Quién es culpable y quién inocente? ¿En qué criterios debes basarte?

Los prejuicios forman un papel fundamental, el ojos acusador siempre antepone al preso. Frontera juega muy bien con la gran incógnita del delito provocado por cada convicto y los secretos que encierran los "inocentes".   

Mezclando drama y thriller psicológico, Frontera ofrece grandes reflexiones de la vida y el ser humano: Cada personaje vive encerrado en su pasado y en sus arrepentimientos pero tan sólo unos cuantos lo hacen físicamente entre rejas.
La relación que se establece entre ellos es lo que hace brillar la película y cómo el tiempo logra que cada uno se desprenda de la etiqueta de "convicto" y "actor-educador" para ser tan sólo un grupo de personas presas del pánico. 

Personajes diversos y universales que sacan lo mejor y lo peor de ellos con el paso de las horas. Gran coherencia de personalidad, cultura y vocabulario que hace que el espectador los conozca a pocos minutos de aparecer en pantalla aun sin saber de dónde vienen. Todo fluye a su ritmo y a su tiempo, Frontera se aleja de los puntos sensacionalistas para otorgar realismo y transparencia.

Pese a que personalmente me ha faltado información para entender la causa de la epidemia y del aislamiento (falta de información totalmente intencionada y estudiada), el final ofrece una gran moraleja a través de un magnífico montaje paralelo que vuelve a convertir al grupo temporalmente homogéneo en seres divididos por su condición. ¿Justo o injusto? Se abre la puerta al debate.

Alba Guillén.

El sexo en la vida de Adèle: ¿puro vicio u obra de arte? por Alex P. Lascort

ATENCIÓN SPOILERS.

Morbo, pornografía, exceso. Son palabras con las que operan las críticas más feroces a La vie d’ Adèle. Si observamos bien en ningún caso se está hablando de la película conjunto sino más bien se centra en un parte, las relaciones sexuales de las protagonistas, para atacar el todo. Dejando de lado la cerrazón mental que se demuestra al valorar un film solo por una parte que puede (o no) disgustar, no hay que obviar que no dejan de ser secuencias que pueden, y viendo las críticas, deben ser valoradas cinematográficamente hablando, ni que sea, para reforzar el debate o para desenmascarar otros motivos que van más allá de lo fílmico.

La decadencia de un género.

Hubo un tiempo en el que la comedia americana era fresca, rápida, incluso divertida. Qué tiempos, ¿verdad? ¿Recordáis la sensación de sentarse en el sofá, poner un capítulo nuevo de Seinfeld o de Friends y no levantarte ni cuando se marchaba a publicidad por si acaso volvía pronto? 

Once

2006, Irlanda.

John Carney.

Ganadora del Oscar a mejor canción original.

Dos almas perdidas, una pasión en común y una película que muestra el tiempo que comparten juntos.

Glen Hansard es un cantante y compositor que interpreta sus canciones por las calles de Dublín. Durante el día, para ganar algún dinero extra, interpreta conocidos temas para los transeúntes, pero por las noches, toca sus propios temas que hablan de desamor. Su talento no pasa desapercibido a Marketa Irglova, una inmigrante checa que vende flores en la calle. Ella tampoco ha tenido suerte en el amor y, para sentirse un poco mejor, escribe canciones en soledad. Todo cambia cuando sus vidas se encuentran...

Para quien no conozca la historia, los protagonistas de Once no son actores y la película está grabada bajo un presupuesto cero, lo cual se aprecia con facilidad. Once nace de la idea de hacer una historia semi-romántica en la que se pudieran transmitir unos sentimientos a través de la música. Los protagonistas utilizan su verdadero nombre al igual que sus verdaderas canciones y la historia está inspirada en su humilde realidad. 

Con estas premisas, las actuaciones no son magníficas ni el montaje ni los planos son profesionales(más bien son de escuela principiante y muchos recursos son facilones y rozan lo cutre) pero tal vez por ello Once consigue algo difícil de alcanzar: crear una cercanía directa con el público, hablar de tú a tú. Y es que Once tan sólo es una historieta como cualquier otra en la cual no pasan grandes cosas pero se muestra sincera y sin pretensiones, totalmente transparente. 

El diálogo es secundario, toda la carga emocional recae sobre unas letras y unas melodías que te hacen sentir y te transportan al interior de unos protagonistas atormentados por el amor y la vida, sin esas magníficas canciones la película no se sostendría. Sí es cierto que peca de exceso de música sin apenas argumento en algunas ocasiones y abusan de unas transiciones de tiempo como excusa para crear un hilo musical, por ese motivo es esencial que seas amante de la música o seas capaz de dejarte llevar por sus acordes para sentirte sumergido en la historia y que ésta sea capaz de hechizare.

Alba Guillén.

La vida de Adèle

2013, Francia.
Abdellatif Kechiche.

180 minutos de película en los que no pierdes la concentración ni un segundo. Un viaje por los sentimientos de la joven Adèle que se nos descubre a medida que se descubre a sí misma en un relato lleno de pasión, fuerza, amor y dolor.

Con 16 años, Adèle no tiene dudas de que una chica debe salir con chicos, el problema es que tiene dudas sobre su propia sexualidad. Cuando una noche conoce y se enamora sin esperarlo de Emma, una lesbiana mayor que ella, sus sentimientos y su identidad se volverán confusos. Emma hace descubrir a Adelèle  el deseo y el camino a la madurez y la someterá a una serie de juicios por parte de familiares y amigos.

Extraordinaria exposición de sentimientos donde llegamos a conocer y a empatizar con Adèle al instante. Vemos el dolor y el rechazo de una niña que descubre que su sexualidad no es la políticamente correcta y la incansable lucha en su madurez para ocultarlo a una sociedad llena de prejuicios que aun no lo normaliza. Pese a que no me acaban de convencer las actuaciones de algunos personajes secundarios, el peso de los amigos y familiares crean un contexto extraordinario que es fundamental para entender por lo que está pasando la protagonista sin decir nada, las imágenes hablan por sí solas. Gran arranque.

... Y entonces aparece Emma. 

La vida de Adèle se basa en el realismo desmesurado. Tanto es así que, a parte de visualizar la cotidianidad de la protagonista con un ritmo pausado (que no aburrido) y unos vivos y trabajados diálogos entre jóvenes, las escenas de sexo son constantes y explícitas a más no poder en buena parte de la película. Escenas que se alejan de la vulgaridad pero sí son llevadas al extremo. Minutos y minutos con todas las posturas posibles a realizar entre dos mujeres que no hacen más que exponer la pasión que al fin se despierta en la protagonista al vivir aquello que anhelaba en secreto pero que se podría haber mostrado sin tanto contenido morboso. Pero si bien es cierto que el sexo es una parte fundamental y necesaria de la historia, en ocasiones peca también de sustituir grandes carencias de la película: En momentos de gran contenido emocional recurren a lo sexual por encima del diálogo, las miradas y los sentimientos, lo cual hace pensar que las protagonistas se desean más que se quieren. De este modo solo consiguen que el romance en sí pierda fuerza y sentimentalismo, una verdadera pena puesto que la película promete ser de amor.

Destaco ante todo las estelares actuaciones de las dos protagonistas que se dejan la piel en todos los sentidos y que nos ofrecen una gran escena dramática (para mi LA escena) en la que entran ganas de levantarte, gritar, llorar y aplaudir finalmente ante un estallido de emociones que consiguen transmitir sin más ayuda que sus propias pasiones, chapó.  
Respecto al final,y sin desvelar nada, simplemente acaba como tiene que acabar dadas las circunstancias, coherente con aquello que nos han contado, con cierta musicalidad y tono poético en el ambiente. 

Puede que repudies la temática, o puede que te sientas tan identificado por haber sido como Adèle un día que quieras ir corriendo a ver esta película (no hace falta decir que tiene un gran público homosexual), pero lo que está claro es que trate de lo que trate, el trasfondo es lo verdaderamente importante. La vida de Adèle es  para todos aquellos que sean capaces de dejarse llevar por la vida de una chica, una historia entre tantas llena de logros y errores... una explosión de emociones.

Alba Guillén.

Roma Criminal

Las películas relacionadas con la Mafia siempre han tenido cabida en el mundo del cine. Tenemos no sólo la trilogía del Padrino, la que para muchos (entre los que me incluyo) constituye la mejor saga de la historia, sino que además se han producido verdaderas obras de arte relacionadas con este mundo como Uno de los nuestros, El precio del poder, Érase una vez en América o Camino a la Perdición. Cada una destaca a su manera, ya sea por guión, fotografía o actuación interpretativa. A su vez, en televisión, también encontramos series relacionadas con el mundo mafioso como la magnífica Los Soprano, Boardwalk Empire o, la italiana Romanzo Criminale, traducida como Roma Criminal.

Esta última es, seguramente, la menos conocida de las tres. Basada en una novela del juez italiano Giancarlo de Cataldo, las dos temporadas de esta serie abarcan desde los años setenta hasta los noventa de la ciudad de Roma, la ciudad que por aquel entonces carecía de dueño. Y ahí es donde entran el temperamental Libanés (interpretado por Francesco Montanari), el carismático Dandi (Alessandro Roja) y el tranquilo Frío (Vinicio Marchioni). Estos tres deciden secuestrar al barón Rosellini y, con el dinero que sacan, lo reinvierten para comprar un gran alijo de droga y llegar así a hacerse con el control de la ciudad, pero dos zonas aún están bajo dominio del Terrible. Por otra parte tenemos al comisario Scialoja, dispuesto a acabar con la conocida como “Banda della Magliana”, que en un intento de hacerle sacar información, se enamora de la prostituta Patrizia, novia del Dandi.

La novela del juez de Cataldo fue todo un éxito del que primero se realizó una película en 2005 y, tres años más tarde, se adaptó para una serie que se emitió entre 2008 y 2010. La serie se adentra más en el lado humano de los personajes, haciendo que el espectador empatice más fácilmente con ellos.

En cuanto al guión de la serie, está muy bien elaborado, y aunque no todo sean sorpresas, merece la pena el visionado. La actuación, por otro lado, de los actores principales es de categoría, sobre todo la del trío protagonista y del comisario Scialoja (muy bien resuelta por el genial Marco Bocci).

Una serie que no tardaréis en recomendar en cuanto la veáis, de esas en las que 22 capítulos se pasan demasiado rápido. 

Francisco M. Pérez.

La Cabaña en el Bosque

La Cabaña en el Bosque.

2011, Estados Unidos.

Drew Goddard.

La Cabaña en el Bosque si algo tiene digno de reconocimiento es su originalidad a la hora de fusionar tres géneros en uno: terror, comedia y fantasía. Es una mezcla entre El Show de Truman, Viernes 13, Battle Royal y Silent Hill. Pese a que resultan antagonistas algunos de ellos, La Cabaña... añade las dosis necesarias de cada uno para acabar con una mezcla muy notable que no deja de sorprender.

Cinco adolescentes se preparan para pasar el fin de semana en una cabaña, situada en un remoto bosque y sin medios de comunicación con el exterior. En el sótano encuentran una extraña colección de recuerdos; entre ellos, un diario que habla de la antigua familia que ocupó la casa. Lo que no sospechan es que están siendo observados y que su vida corre peligro.

No obstante, dudo acerca de las críticas que la denominan una obra de culto. Pese a que se trata de un homenaje a sus respectivos géneros y la película sufre varios giros impactantes, el motivo de todo lo que se nos cuenta me deja bastante fría y confusa. Lo que empieza como un típico pero buen detonante y se desarrolla en una trama bastante intrigante y consistente desemboca en unos minutos finales excesivamente surrealistas, sacados de la fumada más potente del director. Los zombies y los bichos gigantescos eclipsan a los protagonistas principales provocando una orgía de sangre desmesurada. Supongo que el objetivo era dar un giro de tuerca final bastante arriesgado que, o bien puede entusiasmar o descolocar hasta llegar a pensar que te toman el pelo.

Los personajes son necesarios para la trama pero ni les coges cariño ni sientes compasión, de hecho intuyes desde el principio el orden con el que irán cayendo. Como en toda clásica película de terror, no podían faltar los típicos clichés (la rubia guarra y tonta, nunca falla) pero sin embargo la película sabe salir del paso dándote una explicación del por qué los protagonistas son como son, "bravo".

De lo que no hay duda es que nunca se pierde la pequeña chispa de humor y, guste más o menos, La cabaña en el Bosque ha conseguido innovar en una fusión que funciona como pieza única.

Alba Guillén.

Foto promocional de la tercera temporada de Sherlock.

El artículo contiene spoilers del final de la segunda temporada de Sherlock.

La BBC ha lanzado la primera imagen promocional de la tercera temporada de la serie Sherlock. Sin duda, una de las más esperadas, ya que desde enero de 2012 no se ha estrenado ningún capítulo. 

En la imagen, vemos a un cabizbajo Martin Freeman (en el papel de John Watson), pensando en la muerte de su amigo Sherlock Holmes (interpretado por el magistral Benedict Cumberbatch), que justo pasa por delante suya observándolo desde fuera de un restaurante, una imagen de doble sentido gracias a la forma espectral que regala el cristal del lugar.

Hasta el momento, no tenemos confirmación por parte de la BBC de la fecha de estreno, pero la cadena americana PBS ha anunciado que emitirá el primer capítulo de la tercera temporada el 19 de enero, por lo que se prevee que se estrenará en el canal de Reino Unido días antes.

Hasta la fecha disponemos de seis joyas en forma de capítulos autoconclusivos de hora y media de duración, en los que Holmes y Watson se han enfrentado a todo tipo de misterios, que han llevado a nuestro protagonista a tirarse desde una azotea para salvar la vida de su mejor amigo, de su hermano Mycroft y de su arrendataria, la señora Hudson. Después de esta caída se le da por muerto. En la novela en la que está inspirada, el escritor Sir Arthur Conan Doyle vivía con la presión de haber creado a un superhéroe que había cautivado al país entero, y por ello decidió que tenía que matarlo lanzándolo por unas cataratas, junto con su archienemigo, el profesor Moriarty. Cuando este libro fue publicado, todo Reino Unido se puso en contra del escritor, recibiendo el rechazo de gente de su propia familia, incluso la Reina amenazó con retirarle el título de ser si no continuaba con la saga. Ahí, en ese momento, Conan Doyle decidió sacarse un as de la manga y se tomó la licencia de hacer creer que Sherlock se había agarrado a un saliente y no había llegado a caer por las cataratas. 

Éste es el giro que consiguió dar Conan Doyle, tendremos que esperar unos meses más para descubrir cuál es el que Mark Gatiss y Steven Moffat dan a la propia serie para resucitar a nuestro héroe. Convincente o no, lo que está claro es que, salvo catástrofe, tendremos tres episodios nuevos de hora y media que nos dejarán embobados.

Francisco M. Pérez.

Don Jon.

Don Jon
2013, Estados Unidos.
Joseph Gordon-Levitt.


Después de ver Don Jon me pregunté si había entrado por error en una sala X, pero resulta que no era así. 

Jon Martello (Joseph Gordon-Levitt), un joven adicto al sexo en general y al porno en particular, intenta ejercer algún tipo de control sobre sí mismo. Hasta los ligues más sofisticados no pueden compararse con el placer que obtiene viendo pornografía en su ordenador. Insatisfecho con su vida, decide cambiar gracias a la relación con dos mujeres muy distintas: Barbara (Scarlett Johansson) y Esther (Julianne Moore).

Dejando al margen el argumento, no puedo evitar mencionar en primer lugar las excesivas escenas pornográficas que llevan a un estado de saturación el cual incomoda mucho más que excita.

Pese a que arranca con fuerza y gancho, la película pierde encanto conforme pasan los minutos para ofrecer una repetición de hechos y chistes que dejan de tener chispa. Don Jon pretende dar una lección de vida de la forma más simple y banal que existe: Un a rápida resolución que contiene las típicas frases lapidarias dichas por personajes que sólo estaban ahí con esa previsible misión y un inverosímil y típico happy ending.

No obstante, no es justo decir que todo lo que contiene Don Jon es negativo. Las actuaciones (que no los personajes en sí) convencen en general al igual que sorprenden y, pese a una ejecución algo desagradable para la vista, la película refleja la realidad de muchos jóvenes cuya única ambición es ligar/gustar y comentar la jugada posteriormente con sus amigos. Del mismo modo, es interesante ver los diferentes puntos de vista (el femenino y el masculino) ante un tema para muchos tabú: la masturbación masculina estando dentro de una relación. 

En conclusión, la ópera prima de Gordon-Levitt parte de una idea divertida e interesante de reflejar pero se pierde en imágenes innecesarias, tópicos y escenas y tramas banales que no dejan fluir la idea apropiadamente y se queda en una mera anécdota que poco aporta. 

Ahora bien, si eres una ingenua chica con un novio maravilloso que cree que por las noches piensa solo en tí... ya es hora de que aprendas que tu novio sigue consumiendo porno como un bellaco.

Alba Guillén.